Mentre le ninfette emo vanno in fissa per un soporifero franchise che legittima con una patina zuccherosa inconfessabili fantasie di soggezione a figure maschili oh-così-teneramente autoritarie ed economicamente potenti, io – che sono nell'età in cui noi ragazze diffidiamo del regime di comunione dei beni, ci appassioniamo alle battaglie per i diritti civili e cominciamo ad affrontare più seriamente la questione del contorno occhi - mi sono intossicata con True Blood.
True Blood, nel suo sofisticato vestitino Alan Ball + ambientazione palustre + sesso rozzo, altro non è che una soap vampiresca con proibitivi livelli di romanticismo adolescenziale parzialmente stemperati dall'ostentazione di un sottotesto politico vagamente didascalico e quasi puerile.
Una roba pazzescamente pop e perciò inenarrabilmente appetibile, finalmente sui nostri schermi.

Trama: in un futuro imprecisato ma assai prossimo, fa la sua comparsa sul mercato il sangue sintetico Tru Blood, in grado di soddisfare alla perfezione i fabbisogni nutrizionali dei vampiri. Non dovendo più servirsi degli umani per mangiare, i figli della notte fanno coming out, dichiarando pubblicamente la propria natura e tentando la via dell'integrazione. Gli estremi del dibattito sui diritti civili dei vampiri incidono drasticamente gli umori sociali e la vita politica. Negli USA, alle istanze vampiriche, sostenute dall'associazionismo e in qualche modo accolte da parte progressista, si oppone il fronte conservatore di ispirazione religiosa.
Bon Temps, cittadina immaginaria della Louisiana, è teatro della microstoria incastonata in questo sfondo. Riusciranno Sookie - la cameriera telepatica - e Bill - il vampiro taumaturgo - ad amarsi in santa pace a dispetto dei pregiudizi e del fatto che la loro affrettata quanto inesplicabile passione li qualifica senza scampo come una coppia di storditi scemotti? La corte provinciale di Bon Temps incolperà la nuova controversa minoranza dell'orrendo delitto che ha recentemente sconvolto il suo placido metabolismo? Come interagiranno con le novità l'afroamericana leale ma incazzosa, il fratello scapestrato, lo sceriffo con gli occhiali a goccia, l'ironico chef gay, la nonna svampita ma poetica, gli spacciatori white trash e tutti gli altri bidimensionali personaggi minori? E soprattutto il bellissimo cane con il muso a punta - che chiunque abbia superato i sei anni è in grado di identificare già dalla prima inquadratura come guardiano soprannaturale della cameriera telepatica – verrà sventrato dai vampiri truzzi, obbligandomi a soffiarmi il naso con la carta igienica se continuo a scordarmi di comprare i kleenex?
Queste e altre torturanti domande mi toglieranno il sonno fino alle 23 di lunedì prossimo, quando potrò concedermi la terza appagante serata di teledipendenza e rutto libero.

Su True Blood Italia ho letto questa intervista, che mette il dito in una piaga ancora aperta citando la soppressione della serie Carnivàle. Non so ancora se un'eventuale mancata sopravvivenza di True Blood alla seconda stagione sarebbe veramente comparabile a una simile inestimabile perdita, ma così su due piedi l'ipotesi mi fa già girare i coglioni, per cinque ragionevolissimi motivi che vado prontamente ad elencare.

1. L'effetto “Bovaro a Versailles”
True Blood è una serie esteticamente raffinata. E' noto che lo spettatore medio italiano, annichilito da Elisa di Rivombrosa e dalla sua pestilenziale discendenza, al cospetto di un prodotto per la TV visivamente impeccabile precipita sempre in uno stato soggezione e meraviglia.
Non importa se hai già visto Six Feet Under, Lost, I Soprano, e tutto il resto. Ogni volta allibisci (“oooh, loro possono permettersi uno sceneggiatore, un direttore della fotografia e anche un regista!”) e ti lasci assalire da un miscuglio di ammirazione intontita e mortificanti complessi di inferiorità. Per descrivere questo tipo di turbamento una signora di mia conoscenza ha coniato l'espressione “sentirsi come un bovaro a Versailles”, che mi pare assai appropriata.

2. True Blood non sembra - per ora e corna facendo - particolarmente buonista.
Non ha tanto i tratti della metafora quanto quelli della satira. Non della specie più caustica ovviamente, ma la ferocia a tutti i costi non è sempre un pregio (mi piacerebbe se qualcuno lo spiegasse a Trey Parker, che bravo ma basta).

3. True Blood accosta le logiche della soap opera ai temi dei film di paura, ibridando due forme di intrattenimento altamente compatibili.
Ne avevo già parlato qui, con particolare riferimento alle wasp-novelas per adolescenti Beverly Hills e The O.C.. Riassumo per i nuovi copiosissimi lettori: la soap opera (o comunque la serie di impostazione corale, caratterizzata da ardimentosi intrecci tra protagonisti fissi e scarsa autosufficienza delle singole puntate) va spesso incontro, tramite spietata escavazione nei segreti di un piccolo gruppo di individui costretti all'orribile intimità della convivenza (stessa famiglia, stesso quartiere, stessa cittadina e così via), allo svelamento di uno strato profondo di malessere e marciume. Procedendo per l'alternanza dei processi di mistificazione e demistificazione, la struttura da soap si rivela straordinariamente accogliente per i temi della crudeltà, del tabù, dell'abnormità e dell'inganno. Potrebbe ospitare come si deve anche quelli della mostruosità e dell'orrore, che stanno giusto un passetto più in là.
Per un esempio di tentativo (non del tutto riuscito) in questo senso si potrebbe guardare alla vecchia serie American Gothic, prodotta da Sam Raimi e recentemente riapparsa su Sky.

4. La vecchia faccenda del sesso
La pretestuosa love story tra due tizi carucci potrebbe sembrare un cardine debole e vieto, ulteriormente banalizzato dal fatto che lui è il classico vampiro tormentato del filone revisionista e lei la classica vergine della tradizione letteraria. Invece è una scelta molto efficace, se si tiene conto del fatto che il tema centrale, almeno per il momento, è costituito dalle dinamiche dell'integrazione.
Non per fare l'antropologa de noantri, ma ci sarà bene un motivo se in tutte le storie di relazione tra gruppi egemoni e soggetti marginali la questione del contatto sessuale, momento contaminante per eccellenza, finisce sempre per proporsi come problema prioritario, anche a prescindere dagli oggettivi livelli di incidenza. Volendo restare più in tema, si può pensare alla corposa tradizione critica che riconosce il vampiro come sunto iperbolico di tutte le minacciose qualità predatorie viste nel mito negativo del maschio “straniero”. Insomma, la tresca tra Sookie la cameriera telepatica e Bill il vampiro taumaturgo ci sta tutta.

5. Gli incisivi di Anna Paquin
Sookie la cameriera telepatica è un personaggio stordito, ma così stordito che non lo capisco. Non ne arguisco la personalità e non ne comprendo le azioni. In base a una simile interpretazione mi è del tutto impossibile fare affermazioni sentenziose del tipo “Anna Paquin sa recitare” oppure “Anna Paquin non sa recitare”. Non saprei proprio dire se è brava o meno, però ha gli incisivi distanziati. Gli incisivi distanziati fanno subito simpatia.


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Coming out of the coffin è un'espressione - evidentemente mutuata dal contesto LGBTQ – che si usa da anni nelle comunità americane di Real Vampires, cioè di persone che avvertono istinti o bisogni “vampirici” e praticano uno stile di vita in linea con queste istanze. Già negli anni novanta Introvigne documentava in italiano, molto seriamente ma se ricordo bene anche un po' moralisticamente, il fenomeno nel suo ponderoso La stirpe di Dracula, segnalando l'esistenza di questo modo di dire insieme alla massiccia presenza dei vampiri reali sul web. Riflessioni e consigli sul difficile momento del coming out si possono trovare in questa sezione del pionieristico sito di supporto per vampiri Sanguinarius.org.

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Io, modestamente, ho le stesse preferenze di Oscar Wilde (solo in fatto di sangue e di Robert Ross però. Una roba anche solo lontanamente simile a Bosie non la toccherei nemmeno con la canna da pesca).

Ho iniziato a collezionare cinema, quando reperire film in videocassetta era un’ardua impresa, quando il solo pensiero di poter catturare e conservare delle immagini trasmesse in tv era considerata l’innovazione del secolo. In quel periodo possedere un film ed avere la possibilità di vederlo tutte le volte che se ne aveva voglia, costituiva una vera e propria conquista di libertà.
In questo scenario futuristico, apparve un uomo… o meglio l’immagine di esso: Enrico Ghezzi.
Nonostante la maggior parte dei fruitori del servizio pubblico ne dica peste e corna (incomprensibile, presuntuoso, spacciatore di false verità o più semplicemente “cazzone”), io amo Grezzi per una serie infinita di motivi.

Amo Enrico Ghezzi  principalmente per aver reso disponibile a (quasi) tutti una porzione di cinema cha altrimenti sarebbe rimasta per sempre (in Italia) nel limbo del misconosciuto.
Fuori Orario detiene il primato di aver trasmesso “la Casa” di Raimi nella versione non censurata TV, i film di Ozu, di Tsukamoto, di Russ Meyer, di John Waters, di Jose Mojica Marins, molti film francesi di registi sconosciuti dalle nostre parti (Zonca, Dumont, Lifshitz, Doillon, Pradal), film russi, iraniani, tailandesi, indiani. Penso ad un bellissimo film egiziano dal titolo “La mummia” sull’interpretazione del mito visto dalla parte dei diretti interessati, film senza mostri, bende e ammennicoli vari o a quel capolavoro che è “Spider Baby”.
Insomma non sto a fare l’elenco di non so quanti anni di programmazione, ma ringrazio immensamente il “buon” Enrico per aver(mi) dato la possibilità di “vedere” determinate cose. 
Amo Enrico Ghezzi per essersi “inventato” l’espediente del “fuorisincrono”. Ciò che a molti può apparire come una stronzata, racchiude un forte senso critico ed una spiccata vena ironica: l’immagine priva di un adeguato supporto culturale (sotto qualunque forma esso venga espresso) è solo un’immagine.
Amo Enrico Ghezzi perché scrive esattamente come parla, leggere un suo libro equivale ad ascoltare un’ introduzione di Fuori Orario.
Amo Enrico Ghezzi perché, a differenza di suoi più famosi e quotati colleghi (che si mettono giacca e cravatta per parlare di Truffaut e Godard, mentre ruttano e scoreggiano se devono recensire Brian Yuzna e Larry Cohen), mantiene lo stesso tono indipendentemente dal film che si trova di fronte, usando la stessa terminologia tecnica e la stessa enfasi critica sia per  un “cumshot” di Gerard Damiano che per un piano sequenza di Ernst Lubitsch.
Questa sua onestà intellettuale ha il grande pregio di conferire ad ogni pellicola la propria dignità, considerando il cinema per quello che (nel bene e nel male) in effetti è: un’espressione artistica.
Molti accusano “Fuori Orario” di trasmettere film noiosissimi e, per questo, “inutili”.
Se Amos Gitai, Ingmar Bergman, Aleksandr Sokurov, Abel Ferrara, Alain Resnais, Rainer Werner Fassbinder, Werner Herzog, Rene' Clair, Jean Vigo, Krzystof Kieslowski e le altre migliaia di registi trasmessi da Ghezzi sono noiosi…beh non ritengo illecito desiderare di morire di noia.
Amo Enrico Ghezzi perché è ancora lì…

Non sono la più fedele e devota delle lettrici di Nocturno, tuttavia - benché mi sia capitato di concepire qualche dubbio sull'obiettività di alcune recensioni - lo considero la fonte cartacea più professionale del settore. Quanto sto per scrivere non muta la sostanza di questa opinione, anche se presumo possa liberare margini di riflessione (moralista) sul contesto in cui s'è forgiata.

Non sono rimasta molto scossa dall'ampio spazio concesso sull'ultimo numero al designato campione d'incassi I Pirati dei Caraibi (dopotutto è un fantasy e ci sono dei filibustieri-calamari, nevvero?), ma le due (2) pagine su The O.C. mi hanno proprio perplessa.
Nessuna insofferenza da suffragetta altro-cinema, nessun sospiro da intellettuale schifata (temo peraltro di non potermi più permettere queste smancerie, giacché giorni fa ho assisto con assoluto sollazzo all'ineffabile "Secchioni e Pupe" - una cosa su mediaset con Papi, capisci?), mi sono solo domandata con un po' di sgomento chi mai, fra coloro che comprano Nocturno, avrebbe scorso sul serio quell'inenarrabile numero di righe invece di saltare alla prossima portata con il solerte dispregio naturalmente destinato a una pubblicità, chessò, di YSL pubblicata fra la Posta dell'Arbitro e L'Angolo del Radiatore su 'Sorche e Motori'. Il quesito ha ovviamente prodotto un’inquietante ipotesi di risposta.

Normalmente, visto che guardo pochissima televisione, ho il buon senso di osservare un decoroso silenzio quando se ne parla. Ma stavolta favello a ragion veduta: so bene di cosa sia O.C. ed è appunto di cotanta sudata erudizione che vado a fare bruto sfoggio.
Trama: un ragazzo un po’ violento ma sottosotto bonaccione e soprattutto poverissimo viene adottato da una coppia di wasp del cui unigenito e forbito erede finisce per diventare amico fraterno e controparte atletica (nulla di gay, insomma). Il fanciullo, dopo iniziali problemi di inserimento, tromberà la Miss del liceo e ricorderà a noi tutti che non esistono solo le Porche e i Martini, ma anche i sentimenti, le scazzottate sulla sabbia e quattro o cinque espressioni Jimmy Dean che magari non avevamo mai pensato di poter assumere.
Insomma, è il tipico telefilm “per ragazzine” guardato soprattutto dai trentaquarantenni colti che non perdono una puntata e poi si compiacciono di stigmatizzarlo in pubblico in quanto diseducativo e scontato. Certe pose si potrebbero pure mettere da parte, dico io, anche in considerazione del fatto che la patetica scusa “lo guardo perché amo il trash” ha cessato di funzionare nel 1996, anche se qualche sprovveduto se la beve ancora in relazione ai film di Lando Buzzanca. Oggigiorno occorre procacciarsi  dei figli di tredici anni su cui rovesciare la responsabilità del telecomando, o l’unica scelta che resta è fra un simpatico outing e una pudibonda simulazione d’incompetenza.

Comunque, non conosco bene gli intrecci di The O.C., ma la mia impressione, recentemente confermata da spettatori più esperti, è che si tratti del discendente diretto del serial anni '90 Beverly Hills aggiornato agli usi e alle mode del secolo nuovo: con diversi protagonisti, dunque, e pettinature molto più discrete per le griffatissime ninfette del caso.
L'ambientazione ricorda un po' Society (alta società, orribili segreti Peyton Place, meccanismi esclusivisti, famiglie deformi) o se vogliamo Schegge di Follia (crudeli sottomondi scolastici, biondismo, fighetti e figli di papà VS nerds e alternativi profondi). I protagonisti sono adolescenti smarriti e ben vestiti, che si aggirano per questi scenari Glamorama rigorosamente a doppio fondo: alcolismo, anoressia, freudismi discount e relazioni pericolose sono all’ordine del giorno senza però che il nichilismo Ellis mai s’affacci dal teleschermo. Il tono, filtrato da orridi dialoghi soap, è semmai più prossimo a uno straziato e iperbolico sentimentalismo Douglas Sirk, il che fa di codesta poltiglia una minestra non molto sapida ma piuttosto verace.

No, non posso dimostrare che non siano cose noiose e sinceramente non mi sentirei di consigliarle a nessuno. Non intendo nemmeno nobilitare O.C. & soci come sottovalutati frullati pop.
Voglio solo dire che nella telenovela adolescenziale c’è qualcosa di appassionate, di appassionante perchè lurido. Questo marciume inosservato e quotidiano che i Kinghiani sono soliti enumerare tra i primati del loro idolo, viene espresso a mio giudizio in maniera più genuina e immediata in O.C. e Beverly Hills che non nelle serie “per adulti” che hanno spopolato nelle ultime stagioni grazie a un cocktail paraculo e tutto sommato inconsistente di eleganza formale e tracce sfacciatamente nasty. Penso in particolare a Six Feet Under, a Sex and The City e a Nip/Tuck, che a differenza di E.R. e Oz (di cui già dissi le lodi) mi hanno sempre ispirato un’indicibile (e abbastanza arbitraria, ammetto) antipatia e che non a caso restano induttori di teledipendenza socialmente/intellettualmente accettabile.
Voglio anche dire che esiste un muto e misterico interstizio, un'ombrosa dead zone estranea alla geografia dell'ovvio ma non alle emancipate e amorali rotte del marketing, in cui il target di Nocturno Cinema e quello Kiss Me collidono, si abbracciano e si fondono come in un'orgia di Yuzna.
Perciò quelle due (2) pagine ci stanno tutte, e ora me le vado a leggere.

Ciò che appare come un'insita maledizione ciclica, priva di ogni sorta di soluzione e destinata a colpire in eterno la condizione umana, tanto da trasformare l'uomo in un continuo "ritornante" (cioè le ferie), ha colpito anche il sottoscritto.
Di episodi da raccontare ce ne sono molti, di film su cui scrivere moltissimi, di fatti e misfatti ancora di più...col tempo riuscirò a colmare queste lacune. Al momento mi soffermo su qualcosa (intra)visto ieri sera su una TV privata.
Zap...un ebete con un modellino di aereo in mano gioca al piccolo terrorista...zap...una darkettona è intenta a verificare l'integrità di un pneumatico...zap...un cinquantenne vestito da pinocchio corre dietro una farfalla (mah!)...zap...la cicciona di mezzetà insiste nel volermi far diventare milionario...zap...la giovane bionda in guepiere ha lasciato il posto al fratello (presumo) che mi fissa con lo stesso sguardo della sorella...zap...un patinato e malinconico bianco e nero mostra le gesta (in stop motion) di un gigantesco gorilla.
Faccio una premessa: King Kong (1933) è il film più triste della storia del cinema. Come accaduto ad altre pellicole dell'epoca (mi viene in mente "il gobbo di notre dame" del 1923) anche per questo film si innesca un perverso meccanismo innaturale, per il quale un'opera di puro divertissement si trasforma in qualcos'altro. Pur non avallando pretese autoriali e non cercando di subliminare il benchè minimo messaggio sociale, la puerile ingenuità e la trasparente buona fede di questo film, travisano gli intenti degli autori al punto da ritorcersi contro.
Ciò che doveva (in origine) mostrare la contrapposizione tra i buoni principi e l'integrità morale dell'essere umano (da una parte) e l'istinto brutale e la totale mancanza di emotività del mostro (dall'altra), finisce col diventare un (involontario) inno di protesta verso la spietata crudeltà umana ai danni di un essere fragile, maltrattato ,deriso, ingabbiato e alla fine ucciso.
Kong è un bambino sperduto in un mondo che non riesce a comprendere e da cui non viene compreso. Sebbene rappresenti la risposta della RKO ai mostri Universal (il successo di "king kong" slavò la RKO dal fallimento) ed in particolar modo al Frankenstein di Whale (di cui ne ricalca la struttura narrativa) si differenzia da questi per l'esasperazione del concetto di "diverso" spogliato della corteccia di "malvagità" e dall'aspetto inquietante che contraddistingue i mostri "Classici". Kong ispira tenerezza, la paura che suscita deriva esclusivamente dalla sua mole.
La scena conclusiva di Kong appollaiato sull'empire state building crivellato dall'aviazione e la sua conseguente espressione di stupore nel vedersi vulnerabile ai colpi di quelle che considera solo mosche è straziante. Lo sguardo perso sulla mano sporca di sangue, del suo sangue, la consapevolezza di una sconfitta senza lotta, per lui capace di combattere e vincere un T-rex, rappresenta uno dei momenti più commoventi della storia del cinema.
Il film si chiude con una battutta (famosissima) di Carl Denham (l'artefice della cattura di kong) il quale al poliziotto che sentenzia - "Denham, gli aeroplani ce l'hanno fatta!"- risponde - "Oh no, non sono stati gli aeroplani, la bellezza ha ucciso la bestia!". In questa battuta sono racchiusi gli intenti iniziali del film della RKO, nel docile sguardo di kong morente le reali valenze della pellicola.
Per chiudere due parallelismi a cui "King Kong" rimanda. La figura di Kong ricorda molto quella di John Merrick: un prodotto di madre natura considerato il "mostro". La scena finale (la scalata sul grattacielo) riporta alla mente l'equivalente (citazione) di "The Rocky Horror Picture Show", in cui Rocky (the creature) scala l'antenna della RKO portando sulle spalle il corpo di Frank'N'Furter (iloveit!).
Grandiosi gli effetti per l'epoca.

In questte notti mi sto godendo senza continuità Kingdom Hospital, la serie prodotta da S.King che con il solito sprezzo del concetto di superfluo riscrive The Kingdom (Lars Von Trier, 1994) in una quindicina di puntate . Premetto diligentemente che mi era molto piaciuto l'ispiratore, a mio giudizio una delle più belle (e meno irritanti) prove di Von Trier, e che chiaramente questa edulcorata variazione sul tema mi fa un po' di senso, ma non mi pare cosa utile né dilettevole dilungarmi in paragoni tra i due regni.
A mio giudizio il vero prodotto con cui Kingdom Hospital va confrontato è E.R. - Medici in prima linea, che non è il mio serial d'importazione favorito (tale privilegio spetta sicuramente a Oz) ma di cui sono stata  un'incurabile fedelissima, soprattutto durante il primo anno di passaggio su raidue. Come E.R., K.H. ha il pregio di fornire l'alibi della trama e una cornice non del tutto rozza a chi teme troppo per la propria reputazione nell' accostarsi a cosine più schiette e ruspanti quali Beautiful, Dallas o, volendo, Elisa di Rivombrosa.
Rispetto alla soap pura e a E.R., K.H. offre anche agli spettatori meno robusti una probabilità di sopravvivere fisicamente alla chiusura della serie e può permettersi di esibire un tapiro zannuto di indiscusso valore trash.
A parte questo però, E.R. stravince il confronto:

1. E.R. è più splatter, mediamente più ritmato e vanta alcuni personaggi meravigliosamente macchiettosi e splendidamente impersonati: il repubblicano donuts-dipendente della reception, la dottoressa Weawer e Il dottor Romano (i miei cocchi, che sono in qualche modo ciò che in E.R. più si avvicina al villain), lo scimmiesco e odioso dottor Benton, il gorilloso e pacioccone dottor Ross, il nerd paziente dottor Ciccio, il miliardario leccaculo dottor Carter e tanti altri, tutti capaci di offrire gloriosi spunti d'identificazione in quanto nevrotici, tossicomani, irrisolti, complessati e con l'armadio ingombro di scheletri.
Non vale per tutti, ma nella maggior parte dei personaggi di E.R. c'è un potenziale protagonista di horror sottocosto.

2. E.R. è in generale molto più horror di K.H., specie se si considera che il secondo parte col dichiarato intendimento di qualificarsi come tale. Ufficialmente membro solo del neutro sottogenere ospedaliero, di fatto si lascia spesso coinvolgere da temi che si ritrovano un giorno sì e l'altro pure fra i sottotesti preferiti dei film di paura. In particolare penso alla colpa, al libero arbitrio e alla dipendenza, costantemente riproposti in posizione nucleare dalle biografie dei singoli caratteri o dal quadro corale, ma anche a qualche menata sociale che piacerebbe a un Romero ormai specializzato nel tristo ruolo di maestrino.

3.  Ancora, E.R. è più volgare perchè propone una teoria di oddities e mostruosità niente male, saccheggiando barzellette da corsia e leggende metropolitane per presentare mangiatori di strumenti chirurgici, sindromi di munchausen, sindromi di normberga, incidenti di percorso in sessione bdsm, psicotici violenti, fistole fuori luogo, serial killer e chi più ne ha più ne metta.

4. E.R. ha una sigla d'inizio da paura, bella ma bella, nell'immortale stile di Supercar, Magnum P.I. e forse perfino Chips (ma qui capisco che mi sto allargando).

Contro cotanto bendiddio cosa può mai una bimba combinata come le dollz sui blog delle darchettine splinderiane?